近日，Fotografiska 影像艺术中心呈现苏文《北京银矿：档案合辑》、托尼・奥斯勒大型装置《机・器・晶・体》和黎晨驰个展《坏品味的人》三场新展。
苏文《北京银矿：档案合辑》
日常纪实摄影如何演变为当代艺术创作的灵感源泉
《北京银矿：档案合辑》是艺术家兼档案研究员苏文（Thomas Sauvin，1983年生于法国）对“北京银矿”项目启动逾十五年来的一次回顾与检视。展览由客座策展人容思玉（Holly Roussell）策划，于即日起至10月18日在上海Fotografiska影像艺术中心举行，此后将开启国际巡展。
展览汇集1500余件照片、书籍、装置及合作作品，系统梳理“北京银矿”的演变轨迹。从抢救废弃底片到形成独特艺术实践，这一漫长过程不仅深刻影响了当代艺术中“照片现成品”（Found Photography）的创作方法论，也使该项目成为全球最重要的民间摄影档案之一。
“北京银矿”始于2009年。这批庞大档案的主体，来自北京郊区一座回收厂内险遭销毁的佚名35毫米底片——它们原本要被用来提取硝酸银。经苏文抢救并系统保存，该项目至今已累积超过一百万张影像。这些由普通人拍摄的日常快照，真实记录了改革开放至21世纪初的中国社会，定格了那个日新月异的时代里人们的憧憬、社会习俗与物质文化，也见证了数字时代来临前，胶片摄影作为记录生活媒介的独特地位。通过展览、影集及其他形式的艺术再创作，“北京银矿”不断激活这些影像，让那些本无意成为艺术作品的私人瞬间，获得更广泛的文化意义。
为呼应Fotografiska“激发新视角”的机构使命，本次展览还聚焦摄影在社会中的角色变迁，展示那些用于记录平淡日常的影像，如何在原生语境消逝后，依然通过艺术创作与文化反思持续生发出新的意涵。
作为“北京银矿”项目迄今为止最大规模的一次呈现，展览由四个核心板块交织构成：“档案馆”以一件包含1300余张废弃底片冲印照片的宏大装置拉开序幕；“工作室”复刻苏文的工作环境，集中陈列照片冲印件、临时印刷品、珍贵影集与档案资料；“《双喜》（Until Death Do Us Part）”致敬苏文最负盛名的同名摄影书，该项目探讨了20世纪末中国婚礼仪式与社会风俗；“跨界合作”集中呈现苏文与雷磊（中国）、小池健辅（日本）、梅琳达·吉布森（Melinda Gibson，英国）、克拉拉·凯尔斯特伦与托比亚斯·费尔特（Klara Källström & Thobias Fäldt，瑞典）等国际艺术家的合作成果。
此次展览不仅系统梳理了“北京银矿”的发展历程，揭示其独特的创作逻辑，更邀请观众走进这批珍贵的影像档案。在拓展民间摄影艺术边界的同时，展览也试图重新定义“摄影书即艺术”的可能性。
苏文 Thomas Sauvin（Crédit Jean-Luc Perréard）
当晶体遇见影像与AI
托尼・奥斯勒大型装置《机・器・晶・体》
“任何足够先进的技术都与魔法无异。”
—— 阿瑟・C・克拉克
Fotografiska影像艺术中心宣布，美国著名多媒体与装置艺术家托尼·奥斯勒（Tony Oursler）大型个展《机・器・晶・体》（mAcHiNe CrYsTaL）于近日开幕。本次展览《机・器・晶・体》将呈现艺术家专为空间创作的沉浸式光学影像装置，以晶体为媒介，联结自然几何、数字技术与人工智能，在光影折射间探索技术、自然与感知的边界，为观众带来兼具科学精度与艺术诗意的视觉奇观。
托尼·奥斯勒1957年生于美国纽约，从上世纪70年代中期起便活跃于影像艺术领域，被誉为“视频雕塑之父”。他因开创性地将视频投影技术应用于雕塑、装置等三维介质，打破了传统影像艺术局限于二维屏幕的边界，至今仍是该领域最具影响力、实验性与创新性的艺术家之一。其作品融合影像、雕塑与行为艺术，以幽默、讽刺和梦幻的方式探索人类与大众媒介技术之间的关系。
Tony Oursler Portrait © Michael Najjar
展览以一组大型光学晶体结构为核心载体，兼具雕塑形态与动态投影界面的双重属性。多面晶体如同可折叠的多维屏幕，将投影画面不断反射、折射，交织出万花筒般的数字影像图景——真人影像、手绘动画与AI生成内容在此碰撞融合，构建出随观者视角实时变化的动态感知场域。观众移步其间，图像不断破碎、倍增、重组，每一次观看都是独一无二的现场体验，打破传统影像的固定叙事框架。
作品的灵感源于自然界晶体的精密几何形态。在奥斯勒看来，晶体既是科学精确性的象征，亦蕴藏着无限生成性创造力：经层层叠加与重复生长，简单规则涌现出复杂对称结构，既严谨有序又充满神秘，长久以来启发艺术、数学与科学的跨界思考。而在通信与电子技术领域，晶体凭借共振特性成为信号同步的核心元件，嵌入手机、计算机等设备，调控时间与频率，堪称当代数字技术无形的“心跳”。奥斯勒以此为线索，将自然系统的对称之美与数字基建的工程节奏并置，抛出深刻命题：“技术是否能引领我们重返自然？”作品由此超越视觉呈现，成为关于技术伦理、生态感知与人类未来的思辨载体。
作为全球极具影响力的影像与新媒体艺术家，托尼·奥斯勒此次《机・器・晶・体》是其在人工智能时代对影像、技术与自然的全新思考，亦是Fotografiska持续推动国际先锋影像艺术、探索跨媒介创作边界的重要呈现。
本次展览于即日起面向公众开放，欢迎艺术、科技、设计与影像爱好者亲临现场，步入晶体构筑的光影秘境，感受技术与自然、理性与诗意交织的艺术魔法。
展期：即日起至2026年9月13日
黎晨驰个展《坏品味的人》(Man With Good Taste)
在泛滥图像中，重塑观看艺术的神性诗意
Fotografiska影像艺术中心于近日推出新兴项目：艺术家黎晨驰全新个展《坏品味的人》（Man With Good Taste）。展览聚焦艺术家标志性的“临界美学”，以多元跨界的视觉创作，回应当下图像泛滥、视觉加速、注意力碎片化的时代现状，在日常与神圣、记忆与历史、诗意与断裂的夹缝之间，构筑一处放缓观看、沉淀感知的艺术场域。
长久以来，大众惯性将“品味”归为纯粹的个人审美选择，而在黎晨驰的艺术认知中，审美从来不是单一的个体偏好，而是一套深植于社会区隔与视觉秩序中的公共评价体系。所谓审美优劣的评判，并非简单的价值对立或反转，而是指向一种模糊、暧昧、处于动态临界点的瞬时状态。这一独特的临界状态，成为贯穿黎晨驰创作的核心脉络，也是他对抗快餐式视觉消费的核心艺术思考。
黎晨驰
面对当下海量图像快速生产、流动、更迭的时代特征，黎晨驰始终执着于捕捉、定格并解构事物的“中间状态”。他摒弃浮躁的创作节奏，将日复一日的重复劳作与沉浸式身体实践融入艺术创作，以持续的感官训练淬炼、强化自身的视觉感知力，不断探索属于当代语境下“观看的神性”，让被加速时代钝化的视觉感知重新变得敏锐、深刻。
在创作语言上，黎晨驰打破媒介边界，融合绘画、摄影、版画多元创作技法，形成极具个人特质的可塑性创作体系。通过肌理碰撞、色调糅合、图像重构与材料交错的多层次实验，结合颜料分层、叠加、拼贴等反复打磨的手工处理，让作品跳出单一的叙事性表达。他的创作始终游走于个体日常与精神神圣、私人记忆与宏大历史的双重维度，在层层叠叠的视觉肌理中，定格当代生活的诗意质感与碎片化的断裂张力，构建出独属于当下的视觉美学。
本次展览以暧昧且审慎的艺术姿态，回应时代的视觉困境。当都市观看被无限加速，公众注意力被海量信息持续消耗、耗尽，黎晨驰将创作视角聚焦于世间万物短暂、未定、处于过渡之中的本质状态。其创作素材萃取于历史叙事与平凡日常之间、矛盾且不可调和的双重空间，捕捉那些被大众忽略的临界瞬间、模糊边界与暧昧情绪。
本次个展完整呈现了艺术家对临界状态的多元创作实践，每一件作品都是对当代观看方式的深度反思。在黎晨驰构筑的视觉场域中，观众得以挣脱快节奏时代的视觉桎梏，放缓观看节奏、转换审视视角，在日常与艺术的交界之处，重新发现图像的深层力量，感知当代生活藏于断裂中的诗意与归于平静的神性。
展期：即日起至2026年8月9日
注：本文图片均为展览现场图
